Homodesiribus

mardi 1 juin 2010

Patrick M. Webb (USA)

Punchinello Paintings

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L'un des problèmes majeurs rencontrés par Webb dans sa quête d’une imagerie homosexuelle a été la façon de créer un type de personnage convaincant. Son mélange d'esprit ironique et de grandeur héroïque demandaient une figure masculine vulnérable mais également définie ou caractérisée par une puissante sexualité véhiculée. Le défi était de trouver une physionomie qui, comme le dit Webb, «n'était pas comme une poupée Ken." La solution résidait dans les fresques de Polichinelle de Giovanni Domenico Tiepolo au Palazzo Rezzonico à Venise, que Webb a vu la première fois en 1989.

Polichinelle, personnage bien connu de la Commedia dell'Arte, est apparu sur la scène italienne dans le courant du 17e siècle en tant que serviteur du héros ou de l'héroïne dont la cour frustrée formait le ciment de base de la plupart des productions. Comme d'autres personnages stéréotypés du théâtre improvisé, Polichinelle a été masqué .... La présence physique absurde de Polichinelle introduit un élément subversif, une note idiote dans des événements importants ainsi que des activités triviales comme scier du bois ou regarder danser un chien.

Mais l'enthousiasme de sa naïveté clownesque et éhontée donne un coup de poing tragi-comique aux rythmes et aux rites banaux de l'existence humaine quotidienne. Polichinelle reste la vedette de sa propre vie – aussi humble soit-il - et confère à son temps sur la terre une sorte d'héroïsme.

Le clown italien, avec son nez phallique exprimant une certaine provocation sexuelle, et son bonnet d'âne a attiré Webb instantanément. « J'ai réalisé que Polichinelle, le filou ou fou de la tradition théâtrale italienne de la Commedia dell'Arte pourrait devenir le protagoniste de mes récits contemporains ». Il le décrit « un peu comme Woody Allen, une sorte de bouffon.

Il était une particularité mais aussi une généralité. Il pouvait se répéter. En Polichinelle, j'ai trouvé un homme ordinaire qui, dans mes tableaux est Everygayman. » « Ma version de Polichinelle est nettement différente de celle trouvée dans la Commedia dell'Arte - mince, sans bosse, conduite par son appétit sexuel et la recherche de soi. »

Triumph meat eaters 2003-2004

Warriors rest 1995-97

Victorious 1993-95

Spittle 2000-2001

Shower, 1997-98

Saving Fido

Punchinello's night out, 1995-99

Public private, 1994

Parade 2000-2003

Meets Mr Right-Mr Right et Punchinello set up home, 1990-92

Mardi gras pumpkinhead (diptych), 1999

Fights Back 1993-95

Fat, 1994

Fanfare, 2003-2004

Eight Avenue 2000-20003

Effort, 1995-97

Battle, 1990-91

Baby 2000-2003

dimanche 30 mai 2010

Patrick Angus - USA (1953-1992)

Peintre réaliste américain, Patrick Angus a été un observateur fin et compatissant de la société gay américaine des années 80. Il a su capturer avec sympathie l'esprit, le désir et la solitude de nombreux hommes homosexuels du milieu urbain de l'époque.

Né le 3 Décembre 1953 à North Hollywood, en Californie, il a grandi à Santa Barbara. Patrick Angus était un garçon timide qui voulait être un artiste. Mais l'absence d'orientation, le manque d’information faissaient qu’il stagnait. Il a été aidé par un homme qui lui a prèté son studio, mais Angus rechignait à dévoiler ses inspirations et obsessions à thème homosexuel devant un hétérosexuel.

En 1974, une bourse d'études à l'Institut d'Art Santa Barbara l'a amené à découvrir le livre « 72 dessins de David Hockney » (1971). Il y trouva un artiste qui célébrait son orientation sexuelle dans son travail et qui glorifiait la «bonne» vie gay de Los Angeles, à seulement 100 miles de lui.

Toutefois, lorsque Angus s'installe à Hollywood en 1975, il y découvre que la bonne vie gay n'existe pas pour les pauvres, «à moins, bien sûr qu’ils soient beaux», comme il le note amèrement. Angus, croyant qu'il était sexuellement peu attractif, est resté seul.

En 1980, à New York lors de la rétrospective Picasso au Musée d'Art Moderne, Angus fait une observation cruciale dans l'autobiographie sexuelle inhérente à l'œuvre de Picasso. Il déclare alors que "Picasso a démontré que rien [Y compris] l'orgasme ne peut être représenté - Picasso est le réalisme ultime."

Par la suite, Angus a commencé à peindre de grandes toiles sur son obsession personnelle de la solitude érotique. Trois grands tableaux qui définissent son milieu: Boys Don't Fall In Love (1984), Flame Steaks (1985), qui se déroule dans un bar de prostitués, et The Mysterious Baths (1985), qui met en scène une maison de bain gay.

Ses sujets lui ont fermé le monde l’art. Ils n’étaient pas commerciaux. La société gay bourgeoise désapprouvait ses représentations du politiquement incorrect, de la "mauvaise" vie gay, le monde de la drague, de la prostitution et de la solitude. Toutes les tentatives pour exposer ses oeuvres ont été rejetées.

En désespoir de cause , voyant que son travail n’avait pas de chance d’être accepté par l'establishment artistique, Angus se résigna à l'obscurité et la pauvreté. Il trouva une chambre dans un hôtel de New York où il put peindre, mais refusant le risque de l'humiliation en tentant d'exposer ses œuvres.

Cette réticence incita Robert Patrick à introduire cette "Emily Dickinson de la peinture" dans les pages de Christopher Street magazine, la plus lettrée des publications gay des années 1980. David Hockney lui acheta cinq grands tableaux.

Dans le début des années 1990 encore pauvre et incapable de payer le médecin, Angus apprit qu’il était atteint du Sida. Face à la mort imminente, il craint que son œuvre allait mourir avec lui. Mais dans les derniers mois de sa vie, trois expositions personnelles ont été montées. Sur son lit de mort, en 1992, quand il a vu les preuves au travers un livre de ses peintures, il s’est exprimé : «C'est le plus beau jour de ma vie."

Patrick Angus a finement observé les images de la sous-classe gay des années 1980 ; Et son œuvre est une contribution importante à l'héritage du réalisme social américain incarné dans l'œuvre d'artistes tels que Thomas Eakins, Winslow Homer, Edward Hopper, Reginald Marsh et Paul Cadmus. En outre, elles sont uniques dans l'histoire de l'art pour leur représentation de la compassion, de la nostalgie et de la solitude de certains hommes gay en milieu urbain.
Source : Turnbaugh Blair Douglas sur glbt.com

Boys do fall in Love

Green and Black

Steam Room 1, 1988

Because You're Young, 1989

Private Show

Left to My Own Devices, 1988

Reclining Nude-Darien, 1988

Nude by Fireplace, 1989

Petite histoire de la braguette.

La Braguette apparait au moyen-age.

Dès le 23 octobre 1398, le roi Charles VI adressait au prévôt de Paris des lettres permettant aux chaussetiers de la capitale de vendre des chausses garnies d'aiguillettes et de lanières, qui moins d'un siècle plus tard serviront à fixer la brayette ou braguette.

Avant d’être l’ouverture qu’on connaît, c’était une petite poche attachée à la ceinture. En fait, la braguette est une pièce du caleçon long ou court, de toile ou de cuir, qui était maintenu à la taille par une ceinture appelée « braiel ». Cette sorte de pantalon appelé brague, ou braie est essentiellement portée par les hommes, mais certaines paysannes en portent aussi.

À une époque où l’homme commençait à porter des habits très ajustés, voire collants, cette pièce rectangulaire couvrait l'ouverture des hauts-de-chausses (sorte de pantalons allant de la ceinture au genou). On la fermait par des boutons, ou plus souvent par des aiguillettes, sortes de lacets passés dans des œillets, ce qui avait pour résultat d’empêcher le membre viril de se promener indûment à l'extérieur ! Les Allemands lui donnèrent un essor particulier.

La braguette est d'abord une pièce d'étoffe très colorée, souvent rembourrée, qui signale sur le corps la place de ce qui reste caché, mais dont on ne peut plus ignorer la présence. Il n'était pas rare que cette poche serve à garder son mouchoir, on y cachait sa bourse et ses monnaies, ou même des fruits que l'on voulait faire mûrir.

Chez les militaires, la brague était la partie saillante de la cuirasse, située au-dessous de la ceinture. Ainsi donc les soldats eurent droit à une protection particulière puisque leurs braguettes étaient en fer. François Rabelais précisait en 1532 dans Pantagruel que la braguette constituait « la première pièce de l'armure ». Seuls les cavaliers refusaient de porter cet accessoire supplémentaire pour leur armure.

A la renaissance, la braguette devint une pièce de tissu rembourrée, tant et si bien qu'elle prenait d'impressionnantes proportions. Cette proéminence marquée valorisait le membre viril et par là même la puissance de son possesseur. Ainsi les gentilshommes de la Renaissance se pavanaient avec élégance dans de volumineuses braguettes jusque dans les années 1580. Pendant ce temps l’homme du peuple portait le plus souvent des hauts-de-chausses plus amples avec des braguettes moins voyantes.

Montaigne s’en irrita et dans ses Essais il qualifia ce protubérant artifice de « ridicule pièce » qui « accroît leur grandeur naturelle par fausseté et imposture ». L'influence de la braguette fut considérable dans toute l'Europe et pour toutes les catégories sociales, comme en témoigne la peinture de l'époque.

"Que vouloit dire cette ridicule piece de la chaussure de nos peres, qui se voit encore en nos Suysses ? A quoy faire, la montre que nous faisons à cette heure de nos pieces en forme, soubs nos grecgues : et souvent, qui pis est, outre leur grandeur naturelle, par fauceté et imposture ?"

Montaigne, Essais, Livre III, "Sur des vers de Virgile"

À la fin du XVIe siècle, les poches détrônent la braguette. N’ayant plus sa fonction de "lieu de stockage" et la mode aidant, celle-ci se fera plus discrète jusqu’à perdre sa forme connue depuis le Moyen Âge. Au cours du XVIIIe siècle, la braguette sera remplacée par le pont sur la culotte de l’aristocrate. Pour les autres classes sociales, elle prendra l’aspect d’une fente à l’avant du pantalon fermée par des boutons.
source: wikipédia