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"La différence entre l'érotisme et la pornographie c'est la lumière". Bruce LaBruce
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mardi 31 mai 2011

Rainer Fetting (1949. Allemagne)





Portrait de Rainer Fetting, 1983






Rainer Fetting naît à Wilhelmshaven le 31 décembre 1949. Il est l'un des artistes allemands les plus connus au niveau international.

Après avoir reçu une formation de charpentier et de décorateur de théâtre en Basse-Saxe Landesbühne à Wilhelmshaven, en Allemagne, Fetting s'installe à Berlin et étudie à l'Ecole supérieure des Beaux-Arts de Berlin de 1972 à 1978 auprès de Hans Jaenisch.

Sa première exposition solo, intitulée Stadtbilder (Images de la ville), se déroule en 1977 à Berlin au sein de la galerie Am Moritzplatz, galerie dont il est co-fondateur avec Helmut Middendorf, Salomé, Bernd Zimmer, Anne Jud et Berthold Schepers.

Ce groupe d'artistes, connu sous le nom "Moritzboys» atteint par la suite une renommée internationale comme le «Junge Wilde" ou "Neue Wilde" (Les Nouveaux Sauvages)dans le début des années 1980.

Ce groupe est un projet d'auto-assistance, afin de pouvoir exposer leurs peintures figuratives colorées dans une scéne artistique berlinoise qui restait dominée par le minimalisme, l'art conceptuel, ainsi que le réalisme.

Au début, Fetting est porté sur des paysages urbains de Berlin, des portraits et des œuvres figuratives (par exemple "Van Gogh à The Wall"), peints en couleurs vives, et notamment de nombreuses représentations du mur de Berlin.

En 1978, Rainer Fetting obtient une bourse d’études pour New York. Il y séjourne régulièrement depuis cette époque.

Depuis 1984, en parallèle à ses peintures, Rainer Fetting réalise également des sculptures. Elles n'ont peut-être pas la même veine expressionniste que Fetting déploie, dans les années 1970, avec le groupe berlinois des Nouveaux Sauvages, mais elles ont une rugosité d'aspect, une brutalité, qui n'empêchent pas l'empathie pour ses modèles.

Son oeuvre regroupe deux thématiques principales : les hommes politiques et la nudité masculine. Il vit actuellement et travaille à Berlin.







Rainer fetting, 1984 par Jeannette Montgomery Barron





Young Man Reading, 1989





Young Man Reading, 1989





Yellow Head, 1984





Wendeltreppe Gelb





Traum blau rot, 1981





Teetrinker





Shower, 1989





Schlaf III, 1981





Rückenakt, 1982





Robert, 1986





Ricky II, 1981





Junger Mann mit Hut





Zwei Indianer, 1982





Ole-Rücken, 2000





Ohne titel, 1983





Narciss





Michael standing, 1988





Mann und eule (dawn), 1984





Mann Und Axt IX (Weiss)





Mann in dusche, 1980





Knabe mit stock, 1997





Iwan rauchend, 1997





Indianer, 1982





In the bathtub I





Grosser Liegender





Desmond





Der wolfs junge, 1983





Am Garaet, 1984





Dispersion
Boris Correa (Espagne)


site





Estudio Desnudo, 2010
Axel Bauer - Cargo de nuit, 1984 (clip: Jean-baptiste Mondino)





video

dimanche 29 mai 2011

Benvenuto Cellini (1500 - 1571. Italie)






Portrait de Cellini




Benvenuto Cellini est un artiste de la Renaissance italienne, dessinateur, orfèvre, fondeur, médailleur et sculpteur, qui appliqua les techniques et la précision de l'orfèvrerie à son travail de sculpteur.

Sculpteur, orfèvre, mémorialiste, et flamboyant pédéraste, Benvenuto Cellini est l'un des plus grands artistes dans l'histoire de l'art occidental. Il fut le dernier artiste de la Renaissance pour l'exploration libre et la célébration de la sensualité (en particulier l’homoérotisme) qui a inspiré son génie fut une caractéristique de la culture de la Renaissance florentine qui a été rapidement abandonnée.

Benvenuto Cellini est né à Florence à l'apogée de la Renaissance italienne À quatorze ans, il est admis comme apprenti dans l'atelier d'orfèvrerie de Michelangelo Bandinelli (père du sculpteur Baccio Bandinelli qui deviendra l'ennemi juré de Cellini), puis dans celui de Marcone.

Après quelques années, le Conseil des Huit de Florence décide de l'exiler pour son implication dans différentes altercations. Il vagabonde à Bologne, Pise, Rome et étudie chez différents orfèvres, avant de se retrouver à Rome, à l'âge de vingt-deux ans.

Il eut un tel succès qu'il fut appelé à réaliser des commandes importantes dans toute l'Italie et la France. De ce fait, il a voyagé tellement que, jusqu'à quarante-cinq ans, il n'a jamais vécu plus de cinq ans dans le même endroit.

Les raisons de ses départs parfois brusques variait entre les bouleversements politiques, la peste à des explosions de tempérament allant parfois jusqu’à l’assassinat. Son contemporain Vasari l’a décrit comme « qui a été en tout audacieux, fier, vivace, rapide, terrible, capable de dire leur fait aux princes autant que d'employer son esprit et sa main aux œuvres d'art » (1568)

A vingt-deux ans, Cellini se rendit à Rome, où au fil des ans il a travaillé pour les papes Clément VII et Paul III, pour laquelle il réalisa des bijoux, des parures, des monnaies et médailles.

En 1536, il a voyagé en France, où Il signe également son chef-d’œuvre d’orfèvrerie, la salière représentant Cybèle, déesse de la terre et Neptune, dieu de la mer, pour le roi François I et des décorations sculptées pour le palais de Fontainebleau.

En 1545, Cellini retourna à Florence, où il a vécu le reste de sa vie. Florence était renommée à la Renaissance comme étant la ville de la sodomie: en argot allemand, "Florenzer" signifiait "sodomite". A la fin du XVe siècle, un homme florentin sur deux fut soupçonné de sodomie par les autorités.

En 1432, l’"Office de la nuit" a été créé pour éliminer la sodomie, mais après les années soixante-dix il a été dissous, les autorités estimant que la tâche était jugée sans espoir. Quatre-vingt dix pour cent des cas déclarés concernaient des garçons de moins de dix-huit ans. L'activité sexuelle entre les hommes et les garçons a été une caractéristique intégrante de la culture florentine du XVIe siècle.

Cellini lui-même a été reconnu coupable de sodomie homosexuelle à Florence en 1523 et en 1557. Il a été poursuivi, puis finalement relaxé des accusations de sodomie hétérosexuelle en France.

A Florence, Cellini a été soutenu par son mécène, Cosme Ier de Médicis, duc de Toscane Il lui commande une statue à ajouter aux chefs-d’œuvre, dont le David de Michel-Ange, qui ornent déjà la Piazza della Signoria.

Le sujet choisi est Persée, brandissant la tête de Méduse. Ce nu magnifique est une icône gay par sa représentation de la beauté d’un jeune homme.

Les travaux suivants de Cellini, dont les statues en marbre de Ganymède et l'aigle, Narcisse, et Apollon et Hyacinthe sont des œuvres empreintes d’homoérotisme.

L'esprit homoérotique de l'art de Cellini devait bientôt être écrasé à Florence. En réponse à la Réforme protestante, l'église catholique romaine durant le concile de Trente (1545-1563) adopte des politiques visant à faire de l'Eglise une religion encore plus austère que celle des protestants. Il a alors été lancé une campagne pour écraser l'hérésie.

Il a été créé l'Index des livres prohibés et interdit l'art charnel. En 1559, le pape Paul IV a ordonné de mettre des tentures peintes sur les nus du Jugement Dernier de Michel-Ange. Les décrets du Conseil ont été appliqués avec enthousiasme par le pouvoir sadique de l'Inquisition.

Dans ce contexte, Cellini a été reconnu coupable de relations sexuelles avec un jeune homme en 1557 et condamné à quatre ans de prison. Grâce à l'intervention du duc Cosme, la peine a été commuée en assignation à résidence de quatre ans.
Au cours de ses années de détention à domicile, Cellini a tenté de réhabiliter sa réputation. Non seulement il s’est consacré à l'art religieux (Il sculpte en 1556-1557 sa dernière œuvre majeure, un Crucifix de marbre qu'il destine à l'origine à son propre tombeau. Mais le duc Cosme Ier, impressionné par le résultat, l’acheta à Cellini.)

Plus important, cependant, au cours de sa période d'assignation à résidence, Cellini a commencé son célèbre "Vita". Il est le premier artiste à écrire son autobiographie. Dans cette autobiographie, l'artiste raconte ses relations avec les princes et les papes, ses grandes réalisations en tant que sculpteur et orfèvre, tout en désavouant, avec une innocence blessée, sa réputation de pédéraste.

Il soutient qu'il est un homme à femmes, mais ne peut pas résister à se vanter que, une fois il a amené son apprenti Diego déguisé en femme à une partie avec des artistes et leurs prostituées. Le garçon a été désigné la prostituée la plus belle de Florence, ce qui a presque causé une émeute, quand une des filles tâtant Diego a découvert la vérité de son sexe.

Bien que la Vita tente de présenter un aspect de la morale orthodoxe et ne mentionne pas gay les affaires homosexuelles de Cellini ou ses condamnations pour sodomie, il rembourse néanmoins l'intérêt de son contenu homosexuel. Particulièrement important dans ce contexte est le chapitre 71 du Livre II, qui peut être lu comme une défense de la sodomie, comme «la pratique noble» à laquelle se livraient les «plus grands empereurs et les plus grands rois du monde."

Cellini dit qu'il n'a pas les connaissances ou les moyens de s'immiscer dans la pratique "noble", mais il se félicite néanmoins que c’est "une affaire merveilleuse."

Que ces passages peuvent être pris au sérieux ou par plaisanterie est un sujet de débat, et certainement le contexte dans lequel ils ont été écrits - en résidence surveillée pour avoir eu des relations sexuelles avec un jeune homme - est une considération importante dans l'interprétation de l'autobiographie.
sources : Wikipédia et Turnbaugh Blair Douglas sur glbtq.com






Satyre, 1544-1545





Etude





Persée tenant la tête de Méduse, Loggia dei Lanzi, Piazza della Signoria, 1545-1554























Salière pour François Ier, Neptune et Amphitrite





Salière (détail)





Mars, 1550





Ganymède, 1545





Ganymède, 1550





Crucifiction, 1556-1562





Apollon et Hyacinthe, 1548





Narcisse, 1548





Narcisse, 1548





Mercure

jeudi 26 mai 2011

Jean-Louis-André-Théodore Géricault (1791-1824. France)




Autoportrait





Masque mortuaire de théodore Géricault




Né le 26 septembre 1791 à Rouen, mort à Paris le 26 janvier 1824, Théodore Géricault issu d’une famille bourgeoise royaliste, il suit ses parents qui s’installent à Paris en 1796.

Là, il entre au lycée, mais les études ne l’intéressent guère ; il n’a que deux passions : l’art et le cheval. Sa mère meurt en 1808, et grâce à son héritage, le jeune Théodore, entre dans l’atelier de Carle Vernet(1758-1836)peintre spécialisé dans l’étude des chevaux.

Il se lie avec le fils du maître, Horace Vernet. En 1810, il quitte l’atelier pour se joindre à celui de Pierre-Narcisse Guérin, maître de l’école néo-classique, puis le 5 février 1811 à l’école des Beaux-arts de Paris.

Il présente au Salon de 1812 une peinture équestre qui fait sensation, il remporte même une médaille. Mais le Salon suivant ne lui apporte que déceptions : ses oeuvres passent inaperçues.

En 1814, il suit le roi Louis XVIII en fuite à Gand. Après avoir échoué au concours du Prix de Rome en 1816, il voyage en Italie, découvre les peintres de la Renaissance italienne, Michel-Ange, Raphaël et le peintre flamand Rubens. De retour à Paris, il s’installe rue des Martyrs, pas loin de son ami Horace Vernet. Un nouveau salon se prépare au Louvres, Géricault veut y présenter une oeuvre monumentale. Il cherche son inspiration dans les faits divers des journaux. Ce sera le radeau de la méduse.



Le Radeau de la Méduse.



Œuvre majeure dans la peinture française du XIXe siècle, Le Radeau de la Méduse fait figure de manifeste du Romantisme. Il représente un fait divers qui intéressa beaucoup Géricault pour ses aspects humains et politiques, le naufrage d’une frégate en 1816 près des côtes du Sénégal, avec à son bord plus de 150 soldats. Le peintre se documenta précisément puis réalisa de nombreuses esquisses avant de camper sa composition définitive qui illustre l’espoir d’un sauvetage.

Géricault s’inspira du récit de deux rescapés de La Méduse, frégate de la marine royale partie en 1816 pour coloniser le Sénégal. Son commandement fut confié à un officier d’Ancien Régime qui n’avait pas navigué depuis plus de vingt ans, et qui ne parvint pas à éviter son échouage sur un banc de sable. Ceux qui ne purent prendre place sur les chaloupes en nombre insuffisant durent construire un radeau pour 150 hommes, emportés vers une odyssée sanglante qui dura 13 jours et n’épargna que 10 vies. A la détresse du naufrage s’ajoutèrent les règlements de comptes et l’abomination du cannibalisme.

Le peintre a trouvé son inspiration. Il fait construire une maquette grandeur nature du bateau dans son atelier et demande à sept rescapés de la dérive du radeau de venir poser pour lui. Il va jusqu’à exposer dans son atelier des restes humains. Grâce à l’entremise d’un ami médecin à l’hôpital de Beaujon, proche de son atelier, Géricault peut obtenir des bras et pieds amputés, afin de les étudier. De même, il dessine plusieurs fois une tête décapitée, obtenue à Bicêtre, où se trouvait une institution qui était tout à la fois hospice, prison et asile d’aliénés. Selon Charles Clément, son biographe, une puanteur étouffante régnait parfois dans son atelier de la rue du Faubourg-du-Roule.




Dessin d'un homme assis avec un turban (étude pour le radeau de la Méduse), 1818-1819





Etude pour le radeau de la Méduse (dessin)





Etude pour le radeau de la Méduse





Etude à l'encre pour le radeau de la Méduse (cadavres écorchés)





Etude pour le radeau de La Méduse, 1818





Etude de figure pour le Radeau de la Méduse





Etude pour le radeau de La Méduse




Le Radeau de Géricault est la vedette du Salon de 1819 : « Il frappe et attire tous les regards », (Le Journal de Paris) et divise les critiques. L’horreur, la terribilité du sujet, fascinent. Les chantres du classicisme disent leur dégoût pour cet « amas de cadavres », dont le réalisme leur paraît si éloigné du beau idéal, incarné par la Galatée de Girodet qui fait un triomphe la même année. En effet, Géricault exprime un paradoxe : comment faire un tableau fort d’un motif hideux, comment concilier l’art et le réel ? Coupin tranche « M. Géricault semble s’être trompé. Le but de la peinture est de parler à l’âme et aux yeux, et non pas de repousser.».

La morbidité et l'érotisme sous-jacents déterminèrent l'accueil défavorable de l'oeuvre. Personne en France ne voulut acheter le Radeau de la Méduse. Il fallut qu'un ami de Géricault, Pierre-Joseph Dedreux-Dorcy, l'achète puis fasse des pressions pour que le Louvre consentisse à l'acheter.

L’œuvre est en fait au cœur de tensions sociales, politiques et artistiques auxquelles Géricault participe mais qu’il subit aussi, il s'agit donc d'une prise de position contre l’État monarchiste, qui a voulu étouffer l'affaire.

Éreinté par la critique, Géricault quitte Paris pour l’Angleterre.




Le Radeau de La Méduse (détail), 1817-1819





Le Radeau de La Méduse (détail de torse d'un noyé), 1817-1819





Le Radeau de la Méduse, 1817-1819



Les études de nu.



L'oeuvre du peintre est chargé d'un souffle érotique, homoérotique même, étant exclusivement attiré par la représentation du corps masculin. Sa série d'étude de nus masculins en est le témoignage.Incarnation du tempérament romantique, fougueux, emporté, Géricault est un des rares artistes du XIXe à avoir su retrouver l'énergie virile de l'art classique. Ces académies qui faisaient dire à son maître Guérin, quelque peu déconcerté par la brosse fougueuse de son jeune élève : "Vos académies ressemblent à la nature, comme une boîte à violon ressemble à un violon". Mots piquants qui sous-entendaient que Géricault et son interprétation de l'anatomie masculine - l'éloge du muscle - violaient délibérément les règles classiques de la bienséance.




Etude d'homme au torse nu, vu de dos





Etude de personnages (La mort d'Hector?), c. 1817





Les parents en deuil de leur fils mort, 1819





Les boxeurs, 1818





Etude d'homme nu (date?)





Etude d'académie d'homme, 1817





Etude d'homme nu, 1816-1818





Etude de nu





Etude d'homme, Vers 1810-1811





Homme nu debout, 1810-1812





Dessin préparatoire pour l'homme nu renversé sur le sol





Homme nu renversé sur le sol ; Figure pour la Course des Barberi, 1817





Etude de nu masculin





Soldat nu avec une lance





Etude d'homme nu





Etude de nu





Courses de chevaux sans cavalier (détail), 1817





Etude d'homme nu





Un naufragé, 1818



Les études des monomanes.




A la fin de sa vie, dans les années 20, le peintre revient à Paris. A la demande de médecins tels que Pinel, Esquirol et Étienne-Jean Georget, médecins psychiatres à la Salpétrière, il realise une série de portrait de "fou", dont la célèbre série des monomanes. Un des traits du romantisme a été de s'interroger sur la raison humaine et la folie. Les romantiques, comme les médecins de cette époque, pensaient qu'on pouvait lire sur les traits du visage la répercussion des altérations mentales. Géricault peint ici des êtres qui ont franchi les limites de la conscience et de la raison, des êtres placés dans une situation extrême.

Géricault a peint des monomanes, fous qui focalisent leur déséquilibre sur un aspect précis tout en demeurant normaux dans le reste de leurs activités. Il a représenté le monomane du vol d'enfant (Springfield Museum of Art), du commandement militaire (Winterthur, Collection Oskar Reinhart), du vol (Gand, musée des Beaux-Arts et Lyon, musée des Beaux-Arts), du jeu (musée du Louvre), de l'envie (Muséee des beaux-arts de Lyon).





La Monomane de l'envie, dit aussi La Hyène de la Salpêtrière, 1819-1820





Le Monomane du vol, 1820





La monomane du jeu, 1819-1822





Le Monomane du commandement militaire, 1819-1822




Outre ses peintures à l’huile, Géricault réalise également des lithographies, des sculptures, rares mais remarquables, et des centaines de dessins. Il meurt le 26 janvier 1824, à l'age de 33 ans, après une longue agonie consécutive à une chute de cheval. Il est enterré au cimetière du Père-Lachaise à Paris.Géricault introduit dans la peinture le mouvement, la couleur, et les thèmes réalistes qui permettent de parler, à partir de Delacroix son héritier spirituel, d’une nouvelle école : le romantisme.


(sources: wikipédia, site du Louvres, Encyclopédie de l'Agora, l'histoire en ligne, Christies.com)